ARTICLE DE RÉVISION
ROSA, Lucas Rafael Belém [1]
ROSA, Lucas Rafael Belém. Les sentiments d’une société reflétés dans les mouvements cinématographiques. Revista Científica Multidisciplinar Núcleo do Conhecimento. An 05, Ed. 11, vol. 21, p. 144-152. Novembre 2020. ISSN: 2448-0959, Lien d’accès: https://www.nucleodoconhecimento.com.br/communication-fr/mouvements-cinematographiques
RÉSUMÉ
De l’expressionnisme allemand, après la fin de la première guerre, qui était basé sur la vision de la réalité comme un cauchemar collectif, au nouveau cinéma, un mouvement brésilien censuré par le coup d’État militaire des années 60, le cinéma a vécu son apogée d’une véritable créativité. Pour la plupart des gens, il s’agit d’un art communautaire considéré comme un divertissement, seulement. Bien sûr, ce n’est pas une idée complètement erronée. Cependant, cet article cherche à démystifier, ou peut-être, montrer, la possibilité du cinéma comme un excellent moyen de communication, une autre façon de raconter des événements historiques. L’objectif est que cet article soit un souvenir enregistré de l’importance du cinéma dans une sphère sociale, une étude qui élargit la vision du septième art comme un art au-delà du cercle des cinéphiles. En tout, 4 mouvements remarquables du septième art ont été choisis et maîtrisés, et leurs principaux films cités. Par conséquent, on voit que non seulement le cinéma, mais l’art dans son ensemble, est libre, vivant et, par conséquent, adaptable. Libre d’être tout ce que vous voulez être et ouvert au débat et à la discussion.
Mots-clés: Mouvements cinématographiques, Septième Art, Histoire.
INTRODUCTION
Le passage du cinéma en tant qu’art montant, nié par les intellectuels au début du XXe siècle, à un art structuré, mais corrompu par le profit estimé de l’industrie culturelle, et qui s’applique facilement au concept de Theodor Adorno et Max Horkheimer, est sans aucun doute curieux. Après tout, le cinéma est un art qui s’est développé dans les clubs et qui avait comme principal public des groupes sociaux défavorisés. Cela a fait évoluer les films en quelque chose de déchiré entre l’art et l’industrie. La plupart du temps, ils sont tous les deux. En outre, il y a eu plusieurs tentatives, parfois une réponse aux conditions socio-économiques d’un pays en question, de reconstruire, ou de réinventer le cinéma comme un art purement authentique, ou du moins dans quelque chose qui l’a approché. Une période d’inspiration créative, qui se traduit par un mouvement d’avant-garde ou d’après-seconde guerre mondiale. Toutefois, cela ne signifie pas que les cinéastes ont eu plein succès dans leurs objectifs artistiques, en particulier les cinéastes d’avant-garde.
La perte de sens due à un récit linéaire et sans couches est quelque chose qui affecte directement toute production audiovisuelle. Le cinéma existe sur une base documentaire, et il peut être surréaliste, réaliste, expressionniste, ou peut-être rien de tout cela. Et c’est dans cette caractéristique que se pose le problème d’un héros qui apaise les opinions: aucune idée n’est si simple qu’elle n’a pas de divergences, cela transforme n’importe quelle histoire en une version simpliste de la réalité, comme on le voit dans « Battleship Potemkin », 1926, de Sergei Eisenstein. Ou, malheureusement, comme on le voit dans la plupart des cinémas d’avant-garde, puisque son objectif principal était de choquer la bourgeoisie.
Ignorons toutefois le cinéma d’avant-garde russe comme propagande politique : les révolutions ne sont pas données facilement. Avec le cinéma, base documentaire de la réalité, la manipulation reste une manipulation. Mais vous voyez: la manipulation au cinéma est intrinsèque lorsqu’elle est bien intentionnée et faite afin de transmettre le message désiré.
« Intolerance: Love’s Struggle Throughout the Ages », 1916, un film de D. W. Griffith, appelé par beaucoup le père du cinéma. Un exemple de manipulation malveillante. La propagande d’une image de soi qui surgit après un acte non seulement d’intolérance, mais criminel et immoral. Film réalisé par Griffith peu de temps après l’énorme succès entre l’épisode américain blanc et raciste de « The Birth of a Nation ». Des décennies de controverse, dénoncées par Spike Lee dans son « BlacKkKlansman », 2018.
Et c’est alors que nous en sommes au cœur du cinéma comme moyen de communication : une tragédie qui entraîne des expressions artistiques et des notes politiques à travers le génie que seul l’art fournit. Fin d’une guerre mondiale, apportée à un seul pays grâce à un traité inégalitaire. Une réalité cauchemardesque, un sentiment pessimiste sur l’avenir, l’expressionnisme allemand.
DÉVELOPPEMENT
L’éclatement de la première guerre en 1914 a entraîné la cessation des productions cinématographiques européennes. Il a été quelques années avant que l’Allemagne, même si complètement non structurée, est retourné à la création de l’art. L’incitation du gouvernement allemand à créer des films était intrinsèque, curieuse à la fois. La question, cependant, n’était pas de produire, mais de produire. Les pays gagnants ne voulaient pas participer à la vente et à l’échange d’art allemand, et rejetaient la possibilité de montrer leurs films dans un pays prétendument ennemi. Encore une fois, de quoi parler? Peut-être transmettre les sentiments de la société dans son ensemble était la meilleure façon de créer le cinéma en temps de chaos. Dans la vision de Paul Leni, nous voyons un homme ridiculisé et déprimé de ne pas pouvoir arrêter de sourire.
Les films expressionnistes allemands ont été les modificateurs de la vision préjugée que les critiques riches et de théâtre des années 1920 avaient sur le cinéma, tandis que les cinéastes américains ont créé l’image, à une époque patriarcale extrême, de ce qu’ils appellent une « femme touchy », qui buvait, fumait et votait. « A Fool There Was », 1915, réalisé par Frank Powell, l’adaptation d’un poème du même nom, où l’«énergie vampire » de la féminité menaçait le capitalisme de l’homme aryen en évolution. Une production américaine qui, selon Philip Kemp dans son livre « Tout sur le cinéma – Tudo Sobre Cinema » (2011), a inconsciemment contribué à l’émergence du génocide nazi. Et nous sommes partis, puis, pour 1940, exactement un an après le début de la seconde guerre. La propagande sarcastique et étonnamment parlée de Chaplin. Malgré la possibilité de paraître un affront, un film dans lequel Hitler l’a apparemment vu à plusieurs reprises.
Pourquoi le premier film parlé de Chaplin est-il peut-être le plus politisé ? Pourquoi le cinéma devient-il de l’art lors de l’émergence d’œuvres au milieu de la faim et de la pauvreté ? La réponse est claire : le consensus sur ce qu’est l’art ne devient universel qu’après avoir pu prouver sa valeur en tant que moyen de communication, tout en encourageant la capacité créatrice de ses créateurs. Toutefois, comme l’a observé Marlene Fortuna dans son ouvrage intitulé « Art: A Means of Communication and Education In Personality Enhancement – Arte: Um Meio de Comunicação e Educação No Aprimoramento da Personalidade » (1998) : « L’art n’est pas la représentation fidèle de la réalité, même la plus figurative, c’est toujours une médiation esthétique. Il présente une originalité qui le détrélise de la superficialité du réel.
À partir de 1940, revenons en arrière il y a quelques années. Au chaos politique et aux querelles idéologiques aux États-Unis après la fin de la première guerre. Ne parlez pas et n’avez pas la liberté de la presse et des cinéastes assassinés par le gouvernement américain. « Scarface, la honte d’une nation – Scarface, A Vergonha de Uma Nação ». Même le titre du film ne s’est pas échappé : l’expression « La honte d’une nation » a été ajoutée sans le soutien des créateurs du film. Comme si c’était la faute du film qu’Al Capone, Bonnie et Clyde faisaient la couverture de tous les journaux. Mais cela ne signifie nullement que les studios de l’époque étaient les bons, en fait, la production de ces films a eu lieu en raison de l’intérêt américain apparent pour la violence. Il est curieux de voir la tentative de cacher, ou plutôt, le refus de montrer, par exemple, les lynchages fréquents de Noirs dans le pays. Dans « L’histoire brutale et presque oubliée de l’ère du lynchage noir aux États-Unis – A História Brutal e Quase Esquecida da Era de Linchamentos de Negros nos EUA », Ángel Bermúdez cite Bryan Stevenson, fondateur de l’EJI : « Dites le nom d’un Afro-Américain lynché entre 1877 et 1950 ? La plupart des gens n’en connaissent pas. Des milliers de personnes sont mortes, mais vous ne pouvez pas en nommer une ? Pourquoi? Parce que nous n’en avons pas parlé.
L’Italie des années 1940, à son tour, était plus souciée de montrer les difficultés rencontrées par la classe ouvrière. Avec la fin de la seconde guerre, le pays connaissait un désordre politique et économique total. Parmi les cinéastes, l’idée que le moins de ressources possible devrait être utilisé: il n’y avait pas d’emplacements, l’éclairage naturel et les acteurs non professionnels. Des noms tels que Roberto Rossellini et Vittorio De Sica ont commencé à attirer l’attention, ainsi que ses films les plus connus: « Roma Città Aperta » et « Ladri Di Biciclette ». Le but, comme on l’a dit, était de filmer les injustices vécues par les classes opprimées. C’était plus que du cinéma, c’était une philosophie de vie. Ou, pour les mots de Katia Kreutz: « Le néoréalisme n’était pas seulement un nouveau style cinématographique, mais une philosophie morale et éthique pour libérer le cinéma de l’enfermement du système des studios hollywoodiens. » Mais il n’y a pas que le cinéma italien qui cherche à dénoncer le chaos provoqué par la guerre qui a commencé en Allemagne. Edward Yang, par exemple, a pris à l’écran des décennies plus tard son « A Brighter Summer Day », un film qui relate l’émergence de gangs criminels en Chine après la grande guerre.
L’invasion de la guerre froide au sein des productions cinématographiques a atteint son apogée dans les années 1950. Un établissement possible du communisme était la terreur actuelle du gouvernement américain. Les dirigeants craignaient l’influence du cinéma sur le peuple. Cette fois, ce n’était pas la peur de la population rêvant d’une vie criminelle, mais la peur de s’aligner idéologiquement sur une politique de gauche. Après tout, l’idée que quelque chose pourrait mettre en péril le capitalisme de l’homme aryen en évolution était plus actuelle que jamais. Mais sans l’aryen. Et cette fois, le communisme étant le vrai méchant. Hollywood était entouré partout, avec des cinéastes mis en accusation et dénoncés. De courtes enquêtes, mais assez pour mettre fin à l’âge d’or du cinéma hollywoodien. Ce chaos, ainsi que la mort d’influences importantes telles que Marilyn Monroe, a inauguré une nouvelle phase dans le cinéma américain: New Hollywood.
New Hollywood avait une vision presque aussi pessimiste de la réalité que l’expressionnisme allemand, bien sûr, à un niveau d’impact beaucoup plus faible. Le voyage de l’homme sur la lune et l’avancement de la technologie, comme l’invention récente de la télévision, ont rendu l’avenir presque complètement impossible à lire. Il y avait ceux qui pensaient que l’avenir était quelque chose de directement lié à la fin de l’humanité, d’autres croyaient au contrôle total des dirigeants sur la population. Indépendamment de la croyance, les cinéastes ont créé un amour inconditionnel pour les rebondissements finaux, qui étaient aussi inattendus que l’avenir lui-même. Une femme qui accepte son fils nouveau-né, dont le père est quelque chose de mal. Ou, si les scientifiques qui voyagent vers l’avenir et y trouver la fin de l’humanité, mais la montée d’une civilisation de singes.
Si le dilemme du cinéma américain était l’imprévisibilité de l’avenir, le cinéma national brésilien, cependant, se souciait du présent. Le coup d’État militaire ressemblait presque à des persécutions idéologiques à Hollywood des années plus tôt. La dénonciation censurée de « Chèvre marquée pour mourir – Cabra Marcado Para Morrer », considéré par beaucoup comme le meilleur documentaire national, est un triste récit de la fragilité de la liberté d’expression. Une vague de créativité a commencé au début des années 1960, le mouvement connu sous le nom de Cinema Novo étant brusquement perturbé par l’anti-démocratie. Cependant, nous parlons d’une époque où le cinéma national était largement reconnu dans les grands festivals du monde entier. « Des vies sèches », nominé pour la Palme d’Or au Festival de Cannes, par exemple. Il était évident que l’armée avait l’obligation de ne pas censurer complètement le cinéma brésilien, mais toujours avec censure. Quelques années après le coup d’État militaire, les cinéastes, la bouche fermée et les mains liées, se sont sentis obligés de porter plainte d’une manière utile. Le titre même des films réalisés pendant et après le coup d’État a livré l’absurdité qui s’est produite au Brésil: « Il a tué la famille et est allé au cinéma – Matou a Família e foi ao Cinema ».
Certains noms, comme Steven Spielberg, ont jusqu’ici mis fin à cette émergence de mouvements révolutionnaires. Les années 1980 ont été dominées par la culture pop, de la deuxième invasion musicale britannique aux films trash à petit budget. Un monde loin de la perfection, mais une époque où les cinéastes pouvaient enfin respirer. Au Brésil, le coup d’État militaire était sur le point de déclarer sa fin après tant de dégâts. Cependant, le cinéma national brésilien a continué à tracer le cours d’un cinéma politisé. De « L’année où mes parents sont partis en vacances – O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias », sorti en 2006 et qui sauve le souvenir de la dure période de censure, au récent « Bacurau », qui a acquis une notoriété internationale comme « Des vies sèches » dans sa première saison.
Comme on l’a dit, un monde loin de la perfection, et donc ce ne sont pas seulement les cinéastes brésiliens qui ont continué à produire des films de résistance. Sur la scène mondiale, un réalisateur espagnol a attiré l’attention : Pedro Almodóvar. Dans son premier film, nous voyons une femme mariée aller à l’encontre d’une relation lesbienne parce que son mari ne la satisfait pas. Cette époque est et est l’une des nombreuses questions soulevées non seulement dans le cinéma, mais dans l’art dans son ensemble: les droits de la communauté LGBT, ou, comme on l’appelait à l’époque, LGBT. « Paris is Burning », 1990, un documentaire réalisé par Jennie Livingston qui raconte le quotidien des gays et transsexuels à New York en 1980: « Je suis ce que je suis, je suis ma propre création spéciale. » Cela a été des décennies de lutte pour les droits fondamentaux. Le documentaire de Jennie Livingston n’a jamais été aussi actuel : en 2019, la loi de criminalisation de l’homophobie a été mise en avant.
Nous avons alors le point de vue d’almodóvar à travers un militantisme équitable, qui ne concerne pas seulement les LGBT. Un réalisateur qui a grandi sur la base de la figure féminine comme un exemple de force. Le protagonisme féminin dans les films d’Almodóvar est toujours directement lié à la lutte pour l’égalité des droits. Un réalisateur progressiste avec des films progressifs. Comme les idées révolutionnaires des mouvements cinématographiques cités.
CONCLUSION
Ce n’est pas une obligation pour le septième art de prendre une posture d’art politisé. L’art est libre, tout comme Sebastião Salgado photographie les injustices, Monet peint des paysages. Cela n’a certainement pas empêché le cinéma, à différents moments de l’histoire, d’occuper un poste de porte-parole de la société, de dénoncer les injustices et de transmettre des émotions mutuelles.
Il est impossible de prédire s’il y aura un autre moment où les cinéastes seront pris en charge par une volonté incontrôlable de créer. Peut-être que les dénonciations du monde moderne ne nécessitent plus une vague de films critiques, ce qui ne signifie pas qu’ils ne doivent pas être faits, cela ne signifie pas, aussi, que le cinéma n’est plus un moyen de résistance. Après tout, le mouvement Black Lives Matter, par exemple, rend à la fois « BlacKkKlansman » (2018) et « To Kill a Mockingbird » (1962) extrêmement actuel.
RÉFÉRENCES
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THE GREAT DICTATOR. Direção: Charlie Chaplin. Produção de Charlie Chaplin. Local: Estados Unidos. Charles Chaplin Film Corporation, 1940.
THE MAN WHO LAUGHS. Direção: Paul Leni. Produção de Paul Kohner. Local: Estados Unidos. Universal Studios, 1928.
TO KILL A MOCKINGBIRD. Direção: Robert Mulligan. Produção de Alan J. Pakula. Local: Estados Unidos. Universal International Pictures, 1962.
VIDAS SECAS. Direção: Nelson Pereira dos Santos. Produção de Luiz Carlos Barreto. Local: Brasil. Produções Cinematográficas Herbert Richers, 1963.
[1] Diplômé en journalisme.
Soumis : octobre 2020.
Approuvé : novembre 2020.
